Les villes du Caravage : vie, œuvres et tourments

Une table dressée, une taverne, deux convives et deux autres personnages debout qui regardent avec une grande attention un homme, assis, qui, avec sa main, bénit le pain : si vous êtes devant cette scène, vous admirez la « Cène à Emmaüs », l'un des tableaux les plus célèbres du Caravage. Il est conservé à la Pinacothèque de Brera à Milan, ville où le peintre est né en 1571 et donc lieu idéal pour commencer un itinéraire sur ses traces.

Le tableau, peint en 1606, représente le moment où Jésus ressuscité se joint à Cléopas et à un autre disciple lors du dîner à Emmaüs. Il en existe deux versions : en plus de celle que vous pouvez admirer dans la capitale lombarde, il y en a une autre exposée à la National Gallery de Londres, réalisée plus tôt, vers 1601. La scène représentée est la même, mais les deux œuvres présentent de nombreuses différences : celle exposée à la Pinacothèque de Brera est plus dépouillée, avec des couleurs plus sombres et des contrastes de lumière et d'ombre plus intenses. L'atmosphère représentée a probablement été influencée par l'état d'esprit du Caravage, qui l'a peinte après le meurtre tragique de Ranuccio Tomassoni, commis par l'artiste lui-même, pour lequel il a été condamné à la peine capitale.

Pour admirer d'autres œuvres du Caravage à Milan, vous pouvez vous rendre à la Pinacothèque Ambrosienne, où est exposée «La corbeille de fruits », réalisée par l'artiste entre 1597 et 1600, une nature morte peinte de manière si réaliste qu'elle semble vraie.

Un saint François désespéré et seul qui médite dans une forêt est le protagoniste de l'œuvre « Saint François en méditation », que Le Caravage a peinte dans une période particulièrement sombre de sa vie, quand, après avoir tué Ranuccio Tomassoni (le 28 mai 1606), il était sujet à un désir obsessionnel d'expiation. L'œuvre est conservée au musée municipal Ala Ponzone, situé à l'intérieur du palais des Affaitati de Crémone. La scène représentée fait référence au moment où le Saint, de retour sur le mont de la Verna en 1224, après avoir ouvert trois fois au hasard l'Évangile toujours au point du récit de la Passion, médita sur son destin, en pensant au martyre du Christ. Il a une forte valeur autobiographique pour le peintre, qui a peint le visage du saint avec ses propres traits. L'œuvre a été commandée au Caravage par Mgr Benedetto Ala, de Crémone, gouverneur de Rome de 1604 à 1610. On pense que le tableau était également un message par lequel Le Caravage espérait obtenir la révocation de la peine de mort qu'il a subie après le meurtre de Ranuccio Tomassoni.

En plus de l'intéressante toile du Caravage, le musée municipal Ala Ponzone abrite environ 2 000 œuvres, du Moyen Âge au XXe siècle, qui racontent l'évolution de l'art crémonais et italien en général. De là, vous pourrez ensuite visiter Crémone : la cathédrale, avec son arcade de la Renaissance , le baptistère à 8 façades , le clocher du Torrazzo, avec sa splendide horloge astronomique et la collection Stradivari au musée du Violon. 

«Ecce homo! », c' est-à-dire « Voici l'homme »: selon l'Évangile de Jean, c'est la phrase que Ponce Pilate, alors gouverneur romain de la Judée, aurait prononcée en montrant à la foule Jésus flagellé. De nombreux artistes, entre le XVe et le XIXe siècle, ont capturé ce moment historique sur leurs toiles : Antonello de Messine, Andrea Mantegna, Tintoret, Rubens, Van Dyck, Rembrandt et bien d'autres, dont le Caravage. Son célèbre «Ecce homo » représente précisément le moment où Ponce Pilate montre le Christ au peuple, en prononçant les mots « Ecce homo », signifiant « Voici l'homme que vous voulez crucifier ». En effet, selon les Évangiles, Jésus, au moment de son arrestation, a été jugé innocent par Pilate, mais le peuple voulait le voir exécuté. Ainsi, le gouverneur le fit flageller, pensant satisfaire la foule, et le montra couvert de plaies et de blessures saignantes, avec une couronne d'épines, un manteau pourpre et un sceptre de roseau entre les mains. Mais, comme nous le savons, cela ne suffit pas, et Jésus est crucifié. Le Caravage renferme tout ce drame dans ses coups de pinceau et peint un tableau tourmenté, où le contraste de lumière et d'ombre, typique du peintre, est chargé de sens : la clarté, lumineuse, du corps du Christ est contrastée par le noir de la robe de Pilate.

La peinture est conservée à Gênes dans le Palais Blanc des Musées de la Strada Nuova. Le Caravage passa trois semaines à Gênes, en août 1605. La ville ligure était à l'époque un centre commercial très important, un centre d'art et de culture où le peintre a puisé une grande inspiration dans les fréquentations qu'il a eues, en plus d'intercepter des commandes et des contacts avec des collectionneurs et des artistes. 

Un regard fou, dirigé vers le bas , la bouche ouverte dans un cri de douleur et de surprise , une rangée de dents blanches sur un fond sombre , à la place des cheveux des serpents qui semblent vivants, le sang qui jaillit de la tête à peine décapitée : la « tête de Méduse », peinte par Le Caravage sur le bouclier conservé aux Offices de Florence est un véritable chef-d'œuvre, dramatique, émouvant, engageant, comme le sont les œuvres de ce génie de l'art. Il s'agit d'une huile sur toile rapportée sur un bouclier en bois, d'un diamètre de 55 centimètres. Peint entre 1596 et 1598, il fait partie de la production juvénile du Caravage. Il a été commandé par le cardinal Francesco Maria Del Monte, protecteur du peintre à Rome, qui voulait l'offrir à un ami : Ferdinand Ier de Médicis, grand-duc de Toscane. La peinture reproduit un thème tiré de la mythologie antique : la décapitation de Méduse par Persée. Le bouclier n'est pas la seule œuvre du Caravage que vous pourrez voir à Florence : on ne sait pas si et quand le peintre a vécu dans la capitale toscane, mais la ville est, après Rome, le lieu qui conserve le plus d'œuvres de l'artiste. En poursuivant votre visite des Offices, vous pourrez admirer le «Sacrifice d'Isaac » et le «Bacchus ». Pour admirer d'autres œuvres du Caravage, vous devez vous rendre à la galerie Palatine du palais Pitti. Vous y trouverez le « Portrait d'Antonio Martelli », « Amour endormi » et « L'Arracheur de dents ». Enfin, vous pouvez vous rendre à la Fondation Longhi, où vous admirerez l'une des deux versions du «Garçon mordu par un lézard » et la copie de ce qui est considéré comme la première œuvre de l'artiste : «Garçon qui nettoie un fruit », qui a été perdue.

Le voyage à la découverte du génie et des œuvres du Caravage se poursuit à Prato, où vous pourrez admirer une œuvre controversée du Caravage. L'objet de la controverse est précisément l'attribution du tableau au maître. Il s'agit de «L'Incoronazione di spine » (Couronnement d'épines): une peinture à l'huile sur toile, conservée dans la galerie du Palazzo degli Alberti à Prato. Jusqu'en 1974, on pensait qu'il s'agissait d'une copie d'un tableau du célèbre peintre, qui avait été perdu. Cette année-là, le tableau fut restauré et des caractéristiques jusque-là cachées émergèrent : une matière picturale qui montrait une qualité supérieure à ce qui était apparu auparavant. Bien que certains historiens de l'art ne soient pas encore entièrement convaincus, on pense aujourd'hui que le tableau est bien du Caravage, réalisé entre 1602 et 1603. Le Christ représenté a une expression intense, les bras croisés à la hauteur du poignet, la main qui dépasse comme si elle sortait de la limite de la toile. Ce sont tous des éléments typiques du grand peintre. Il existe une deuxième version du même sujet, peinte par le Caravage et conservée au Kunsthistorisches Museum de Vienne. 

Rome est probablement l'étape la plus importante de ce voyage pour connaître de près le génie du Caravage. Vous pouvez y trouver le plus grand nombre d'œuvres de l'artiste, car c'est la ville où Michelangelo Merisi a eu son éclair de génie créatif dans la dernière décennie du XVIe siècle. Dans la capitale, il a peint au service de riches clients, tels que les Mattei, Vincenzo Giustiniani, les cardinaux Francesco Maria Del Monte, Scipione Borghese et Maffeo Barberini. C'étaient des mécènes qui aimaient les œuvres du Caravage, mais qui en méprisaient le caractère arrogant et rebelle. La Galerie Borghèse abrite la plupart des œuvres de l'artiste. Vous pourrez admirer le « David avec la tête de Goliath », un tableau d'une force incroyable, mais aussi de délicatesse et d'humanité, que l'artiste a peint à Naples, où il s'était réfugié, fuyant Rome en 1606 avec l'accusation de meurtre sur les épaules. On pense que le choix du sujet a été fait par le Caravage lui-même et que son état d'esprit du moment, en fuite et en danger de mort, l'a considérablement influencé. En effet, le David représenté dans l'œuvre, bien qu'ayant vaincu le géant philistin Goliath, ne montre pas une attitude de triomphe, mais apparaît triste et mélancolique et tient avec émotion la tête coupée de Goliath, dont le visage est un autoportrait du Caravage. Au total, six œuvres de l'artiste milanais sont exposées dans la galerie Borghèse : outre le «David avec la tête de Goliath », il y a le «Bacchus malade », le «Jeune homme avec une corbeille de fruits », la «Vierge des palefreniers », le «Saint Jérôme », le «Saint Jean-Baptiste ». Les œuvres du Caravage à Rome sont beaucoup plus nombreuses, dispersées dans toute la ville : dans la Pinacothèque Capitoline, vous pourrez admirer le «Saint Jean » et «La bonne fortune » dans l' église S. Maria del Popolo, vous verrez la «Conversion de Saint Paul » et la «Crucifixion de Saint Pierre ». Dans la splendide galerie du palais Doria Pamphilj est conservé le chef-d'œuvre d'un jeune Caravage : le «Repos pendant la fuite en Égypte », avec un ange musicien lumineux qui partage la scène. Près de la place Navona, l' église S. Luigi dei Francesi abrite trois chefs-d'œuvre de l'artiste, dans la chapelle Contarelli: la «Vocation de saint Matthieu », «Saint Matthieu et l'ange » et le «Martyre de saint Matthieu », qui composent ensemble le cycle de saint Matthieu. Non loin de là, dans la basilique Sant'Agostino, vous pourrez admirer la superbe toile intitulée « La Vierge des Pèlerins ».
Au Palais Barberini, dans la Galerie nationale d'art ancien, vous trouverez la splendide «Judith et Holopherne » et le «Narcisse ». 

Lorsque Le Caravage est arrivé à Naples , c'était en 1607 et le peintre fuyait la condamnation à mort pour avoir tué un homme, Ranuccio Tomassoni, lors d'une bagarre. C'est ici que l'artiste a peint la «Flagellation du Christ », commandée par la famille de Franchis pour l' église S. Domenico Maggiore. C'est l'un des tableaux les plus forts et les plus célèbres du XVIIe siècle et l'une des œuvres les plus intenses de l'artiste, où son tourment apparaît clairement. La lumière revient au premier plan, augmentant le caractère dramatique de la scène. Une lumière qui illumine le corps du Christ au centre de la scène et le visage du bourreau à gauche, avec ce sourire sadique et satisfait. La toile reprend la mise en scène de la «Crucifixion de Saint-Pierre » que le Caravage lui-même a réalisée à Rome pour l'église Sainte-Marie-du-Peuple : deux personnages sur les côtés du protagoniste participent à l'action et un troisième au premier plan est penché. Mais, contrairement à la toile romaine, dans celle réalisée à Naples, les bourreaux semblent conscients de la cruauté de leur acte. Dans le passé et pendant 350 ans, la toile a été conservée dans l'église S. Domenico, aujourd'hui elle se trouve au Musée de Capodimonte. 

La période passée à Messine est l'une des plus sombres de la vie du Caravage. Fuyant depuis des années, après avoir été condamné pour le meurtre qu'il avait commis, il s'est également échappé de la prison de Malte et est arrivé dans la ville sicilienne en 1608. En décembre, le marchand génois Giovan Battista de' Lazzari lui commanda un tableau représentant la Vierge, saint Jean-Baptiste et d'autres saints pour les Pères Crucifiés de Messine, destiné à la chapelle principale de l'église de Messine de S. Camillo De Lellis. Six mois plus tard, le 6 juin 1609, le peintre livre la «Résurrection de Lazare », qui n'a rien à voir avec le sujet qui lui avait été demandé. Les Pères Crucifiés acceptent le tableau malgré le changement de thème. Très probablement, l'idée de représenter la résurrection de Lazare était celle du Caravage lui-même, un thème plus dans ses cordes, que le peintre aurait pu également lier à la mission des Crucifiés d'aider les malades et les mourants. La peinture est poignante : les personnages représentés sont tous au premier plan, sur un fond sombre et avec le sol parsemé d'os. Il y a de nombreuses références à des peintures du même peintre : par exemple, le geste du Christ avec le visage dans l'ombre et l'index tendu vers le corps de Lazare reprend celui de la «Vocation de saint Matthieu » conservée dans la chapelle Contarelli de l'église Saint-Louis-des-Français à Rome. Vous pouvez admirer la beauté de ce tableau au Mu.Me. - Musée régional interdisciplinaire de Messine, où est également conservée «L'adoration des bergers », commandée à Merisi par le Sénat de Messine.

Après des années de fuite en Italie, le Caravage arriva à Syracuse en octobre 1608. Il avait reçu du Sénat de la ville la commission de réaliser un retable représentant l'«Enterrement de Sainte-Lucie », destiné à la basilique S. Lucia al Sepolcro, à l'endroit où, selon la tradition, la sainte a été martyrisée et enterrée. Et c'est ce qui s'est passé : en deux mois, le Caravage a peint le tableau qui a été exposé pour les célébrations de la sainte le 13 décembre 1608. L'«Enterrement de sainte Lucie » est un tableau puissant, où, comme d'habitude pour le peintre, la lumière devient un élément pictural et descriptif. La scène est dramatique : la sainte est allongée par terre, la tête coupée, au premier plan, deux fossoyeurs creusent la fosse et, derrière, plus petits, les participants aux funérailles et l'évêque qui bénit la morte. L'ensemble des tons sombres, rouges et bruns et l'utilisation de la lumière, confèrent à la peinture une profondeur et une intensité uniques.